12 AÑOS DE ESCLAVITUD: la miseria de la condición humana

                                                   Título: "12 AÑOS DE ESCLAVITUD"

                                                   Drama. Histórica (Siglo XIX).

                                                   Año:2013

                                                   Duración: 133´

                                                   Director: Steve McQueen
                                                   Intérpretes principales: Chiwetel Ejiofor
                                                                                           Michael Fassbender
                                                                                           Paul Giamatti 
                                                                                           Paul Dano
                                                                                           Benedict Cumberbatch
                                                                                           Lupita Nyong´o
                                                                                           Brad Pitt
                                                   B.S.O.: Hans Zimmer


   Esta historia, ambientada en 1850, está basada en hechos reales. Concretamente en la vida de Solomon Northup, (excepcionalmente interpretado por Chiwetel Ejiofor) un músico negro de posición acomodada -y hombre libre- que vive en Nueva York con su mujer y sus dos hijos. Sin embargo, es víctima de un engaño y secuestro para ser vendido como esclavo para trabajar en una plantación en Louisiana.

 

   
   De la noche a la mañana ve como su vida cambia por completo. Además de ser despojado de su familia, a partir de ese momento comienza la lucha por su supervivencia. Pero siempre sin perder la esperanza y nunca a costa de su dignidad, lo que sin duda conllevará un sufrimiento añadido a su particular batalla.

   Solomon conocerá en primera persona la crueldad que entraña la condición de esclavo, encarnada principalmente en la persona de Edwin Epps (Michael Fassbender), un despiadado propietario de esclavos dedicado a la recolección de algodón en el Sur.

   Durante los 12 años que dura su infierno, Solomon (o mejor dicho Platt, su nombre de esclavo) se verá obligado a confíar en personas desconocidas en su empeño por conquistar su libertad y reunirse así con su familia. Pero todos sus intentos son baldíos, hasta que aparece en escena el Sr. Bass (Brad Pitt), un abolicionista canadiense que trabaja con Solomon en la construcción de un pequeño pabellón en la finca del perverso Epps...

   Las interpretaciones de Fassbender, encarnando al desalmado Edwin Epps y de Chiwetel Ejiofor dando vida a Solomon Northup (Platt, como esclavo), son sencillamente magistrales. Es difícil disfrutar de esta película por la crudeza de la historia y lo salvaje de algunas escenas, pero la calidad interpretativa de esta pareja roza la perfección en este filme. Para Fassbender supone la consagración como uno de los actores del momento y para (el poco conocido para muchos) Ejiofor, el papel que lo llevará, con bastante probabilidad, a alzarse con el Oscar a mejor actor principal. Hasta ahora solamente lo habíamos visto en papeles secundarios en películas como "Plan oculto" (2006) o las más conocida "American Gangster" (2007), eclipsado por el gran Denzel Washington.

   Además, hay papeles que te marcan durante toda tu vida profesional y el del esclavo Platt es, sin lugar a dudas, uno de ellos. En mi opinión, Michael Fassbender también se hará con el Oscar a mejor actor secundario, pero ya veremos.

    "12 años de esclavitud" supone el tercer trabajo del Director, Steve McQueen, tras los éxitos conseguidos con "Hunger" (2008) y "Shame" (2011), donde también contó con Michael Fassbender como actor fetiche. En esta ocasión nos presenta un filme tan desgarrador como real, sin pliegues, clichés ni edulcorantes, mostrando el horror del que también es capaz el hombre. Nos adentra en una etapa de la historia de la que, al igual que ocurriera con la Europa anti-semita, hace que sintamos vergüenza de nuestra condición humana. Convierte la pantalla del cine en una pequeña ventana al mundo. Esa misma que, desgraciadamente, tuvo durante tanto tiempo la persiana echada.

   En cuanto a la fotografía, decir que el trabajo es extraordinario, aunque la crudeza de no pocas escenas pueden herir la sensibilidad del espectador (y lo consiguen). Sobre todo la escena de los latigazos a la esclava Patsey (muy bien interpretada por la joven Lupita Nyong´o) y la del prolongado semi ahorcamiento de Solomon en la reserva del Sr. William Ford (Benedict Cumberbatch). También es destacable el uso de las cámaras por parte de McQueen, quién en varias ocasiones llega a casi congelar las escenas con primeros y segundos planos, dotando al momento del dramatismo que merece. Magistral.

   La B.S.O. corrió a cargo del genial y siempre valor seguro Hans Zimmer, del que soy ferviente admirador. Bandas sonoras de reconocidas películas como "Piratas del Caribe", "El código Da Vinci", "Origen" y un largo etcétera tienen su impronta.

   "He nacido como un hombre libre" (Solomon Northup).

LOS CHICOS DEL CORO: una oda a la música y la esperanza

                                                                   

                                                   Título: "LOS CHICOS DEL CORO"

                                                   Drama.

                                                   Año:2004

                                                   Duración: 95´

                                                   Director: Christophe Barratier
                                                   Intérpretes principales: Gérard Jugnot
                                                                                           François Berléand
                                                                                           Jean-Baptiste Maunier
                                                                                           Jacques Perrin
                                                   B.S.O.: Bruno Coulais


   Esta vez vuelvo a rescatar una nueva joya del cine francés, sobre el cuál (como ya sabréis) siento verdadera fascinación. Y me gustaría dedicar esta entrada a una persona a la que admiro mucho y que me ha enseñado a amar la música como merece: Arabel Moráguez, un grandísimo maestro del piano y un muy buen compañero y amigo. Espero que te guste niño!

   Esta película supuso un enorme fenómeno popular en Francia y convirtió a Gérard Jugnot, poco conocido hasta entonces para el gran público, en el actor francés que más ganancias cosechó en el año 2004, por delante de actores contrastados y de reconocido prestigio como Jean Reno y Gérard Depardieu.

   La historia tiene lugar en Francia durante el año 1949, cuando Clément Mathieu (Gérard Jugnot) un profesor de música en paro, llega a un Internado de reeducación de menores llamado "El fondo del estanque" ("Fond de l´Etang"). Allí tendrá el cometido de sustituir al antiguo profesor vigilante, que se vio obligado a dejar su puesto tras sucumbir a la ira de los internos.

 

   El propósito no se antojaba nada fácil, ya que además de hacer frente al intempestivo e indomable carácter de los jóvenes del lugar, Mathieu se encontrará con los continuos obstáctulos que le pondrá el Director Rachin (François Berléand), en su camino para poder llevar a cabo su labor.

   Mathieu, que se ha dado cuenta de la negativa influencia que los métodos represivos de Rachin provoca en los internos, descubre en la música un elemento que atre sobremanera su atención, ayudándolos a centrar y canalizar sus emociones. Ayudado por sus dotes como músico y compositor, formará con ellos un coro, destacando muy por encima de los demás la voz angelical de Pierre Morhange (Jean-Baptiste Maunier), verdadero protagonista junto a Mathieu de este precioso homenaje a la música.

   Hay que destacar en este punto, que Jean-Baptiste Maunier (Pierre en la película), es el único niño que no era actor en la vida real, pero también el único con conocimientos avanzados de canto. De hecho formó parte del coro "Les petits chanteurs de Saint-Marc" ("Los niños cantores de San Marcos").

   Importante también, aunque más secundario, es el papel que juega en la trama (y posterior desenlace) el pequeño Pépinot (Maxence Perrin), un niño cuyos padres fallecieron durante la Segunda Guerra Mundial, al que le han hecho creer que su padre volverá a buscarlo cuando llegue el sábado (y así, uno tras otro).

   El lema de la película, "la musica puede cambiar a las personas", resume a la perfección lo que Clément Mathieu logró con estos chicos, acostumbrados hasta su llegada a los sistemáticos y severos castigos que el Director Rachin les infligía ("acción-reacción" los denominaba). Unos jóvenes que encontraron en la música y la figura de Mathieu la esperanza que faltaba en sus breves vidas.

   La música de esta película es sencillamente excepcional. El tema principal del filme ("Vois sur ton chemin") te hechiza desde el momento en que la escuchas por primera vez, dotando a la película de un aura que la hace inolvidable. Consigue (al menos conmigo así fue) que te sobrecoja descubrir cuanto sentimiento y sensibilidad hay escondido tras la cruda fachada que el dolor ha propiciado en esos niños.

   El trabajo del compositor Bruno Coulais no fue valdío, y esta magistral banda sonora le sirvió para acaparar numerosas distinciones, entre las que destacan el Premio César (2005) a la mejor música escrita para película y el Premio del Cine Europeo (2004) al mejor compositor europeo del año. Sin olvidar, claro está, la nominación al Óscar (2005) en la categoría mejor canción original, con la ya citada "Vois sur ton chemin".

   "Los chicos del coro" también fue nominada al Óscar en la categoría de mejor película extranjera, aunque no se alzó finalmente con la preciada estatuilla, recayendo dicho honor en la cinta española de Alejandro Amenábar, "Mar adentro" (decisión, a mi juicio, cuanto menos muy discutible -ahí lo dejo-).

   El director, Christophe Barratier, también recibiría numerosos premios por esta maravilla de historia, entre los que destacan el premio al mejor director en el Festival Internacional de cine de Bangkok (2005), el premio a la mejor película en el Festival de cine Prix Lumière (2005) y el premio a la mejor película en el Festival Internacional de cine de Fort Lauderdale. 
   
   Con esta película Barratier tuvo el bautizo cinematográfico soñado, siendo aclamado por igual por la crítica y el público. Sin embargo con sus dos trabajos siguientes, "París, París" (2008) y "La guerra de los botones" (2011), no logró aproximarse a los niveles de éxito alcanzados con "Los chicos del coro".

   Esta película, al igual que la anteriormente reseñada "Amélie" o "La vida es bella" (a la que debo una entrada), es de esas cuyo visionado es muy necesario para limpiar un poco nuestras conciencias. Todas las personas pueden cambiar, solamente basta con querer y encontrarte con personas como Clément Mathieu.

AMELIE: es cierto, te cambiará la vida

                                                                   Título: "AMELIE"

                                                                   Comedia dramática. Fantasía.

                                                                   Año: 2001

                                                                   Duración: 120´

                                                                   Director: Jean-Pierre Jeunet
                                                                   Intérpretes principales: Audrey Tautou
                                                                                                            Mauthieu Kassovitz
                                                                                                            Rufus
                                                                                                            Lorella Cravotta
                                                                                                            Serge Merlin
                                                                   B.S.O.: Yann Tiersen
                                                                                                

   He de decir que "Amélie" era, desde hacía mucho tiempo, una de las grandes olvidadas dentro de mi lista de pelis imprescindibles. Sí, lo reconozco, hasta el día de ayer no la había visto y la verdad, la espera ha merecido la pena y ha cumplido con creces mis expectativas, a pesar de que éstas eran altas. Que la trama se desarrolle en París y que la película fuese rodada en 2001, el año más importante de mi vida, hacía que su visionado fuese obligado.

 

   La historia se centra en el personaje de Amélie Poulain (Audrey Tautou), una chica diferente al resto, con una fuerte introversión, que ha crecido en un entorno ausente de cariño, teniendo que valerse de su arrolladora imaginación para crearse su propio universo. 

   Hija de una madre a la que vio morir a los pies de Notre Damme por caérsele encima una turista que se suicidaba en ese momento, y de un padre (Raphäel Poulain, interpretado por el genial Rufus) que tras la muerte de su esposa, centró todo su afecto en un gnomo del jardín, hay un momento clave en la vida de Amélie (el cuál, por supuesto, no desvelaré) que cambia su forma de concebir la vida. Y éste tiene lugar el día 30 de agosto de 1997, cuando Amélie tenía 22 años...

   A partir de dicho instante, Amélie tendrá un claro propósito: tratar de facilitar la vida a los demás, para lo cuál se servirá de su gran ingenio. De esta forma consigue ayudar a un sinfín de personas con su peculiar toque de varita mágica: a Georgette, la vendedora de tabaco, a su vecino Raymond, un pintor obsesionado por los cuadros de Renoir, a Hipólito, un escritor fracasado e incluso a su propio padre. 

   Y muy importante será la aparición en escena de Nino (Mauthieu Kassovitz), un chico que se dedica a coleccionar fotos que la gente desecha en una cabina de fotomaton, por el que Amélie siente fascinación debido a su carácter soñador y solitario. En el encuentro de ambos jugará un papel determinante el ya citado Raymond. Éste intentará saldar su deuda con Amélie ayudándola a encontrar lo que sin duda ha olvidado en su tarea por hacer más agradable la vida de los que le rodean: su propia felicidad.

   Tan bella historia (y mensaje) le sirvió a Jean-Pierre Jeunet para rozar el Oscar al mejor guión original ese año, aunque sí se alzó con el premio Bafta en dicha categoría y los premios César a la mejor película y dirección.

   Quiero destacar el importante y determinante papel que la música juega en la ambientación de esta película. Resulta muy evocadora y ayuda a recrear la fantasía que envuelve la película. Impecable elección a cargo del compositor francés Yann Piersen Tiersen, haciendo del acordeón el instrumento perfecto para aportar la calidez necesaria en el momento preciso, haciendo de esas escenas por las bohemias calles de Montmartre momentos inolvidables, haciendo, en esencia, de esta B.S.O. una de las más bellas y reconocibles de los últimos tiempos (tema central: "La Valse d´Amélie"). 
   También compuso la banda sonora de otra conocida película germana "Good bye, Lenin!" (2003).

   En cuanto a la fotografía simplemente decir que el trabajo de Bruno Delbonnel es sublime en este filme. Es, sin duda alguna, otro de los puntos fuertes de la película. De hecho, en el año 2010 recibió el premio a la película con mejor fotografía de la década 2000-2010 (casi nada).
   A mi juicio se combinan de forma muy inteligente los tonos ocres y un tanto oxidados de algunas escenas, con otros más coloristas y brillantes (destacando el color azul), que ayudan a desligar esos prismas de realidad y fantasía tan presentes durante todo el desarrollo de la trama.

   El título de esta entrada no puede resultar más evocador, pero a la vez más real. Ése era el propósito de Amélie Poulain en su vida, y lo cierto es que a todos los que hayamos tenido la suerte de haber visto esta película, en mayor o menor medida, también nos la ha cambiado. Una historia tierna, genuina, entrañable, ingeniosa, optimista. Sencillamente, imprescindible.

 

      

LA MEJOR OFERTA: siempre hay algo auténtico detrás de toda falsificación

                                                      Título: "LA MEJOR OFERTA"

                                                      Intriga. Drama.

                                                      Año: 2013

                                                      Duración: 131´

                                                      Director: Giuseppe Tornatore
                                                      Intérpretes principales: Geoffrey Rush
                                                                                              Jim Sturgess
                                                                                              Sylvia Hoeks
                                                                                              Donald Sutherland
                                                     B.S.O.: Ennio Morricone

   Comienzo esta reseña advirtiendo que esta película no va a satisfacer todos los paladares. Se trata de un filme diferente, de ritmo muy pausado en el que habrá que apreciar, en ocasiones, el valor de los silencios. En mi caso, he de reconocer que lo que me atrajo de entrada fue el poder disfrutar nuevamente de otra obra del gran Giuseppe Tornatore, creador de una de las películas más bellas que he tenido el gusto de ver: "Cinema Paradiso" (1988), con la que ganó en un mismo año el BAFTA, el Globo de oro y el Óscar a la mejor película extranjera.

   La historia nos muestra a un Geoffrey Rush (ganador del Óscar a mejor actor en 1996, por "Shine") encarnando a Virgil Oldman, un peculiar y excéntrico experto en arte, que también ejerce como agente en prestigiosas subastas de artículos de arte. A mi juicio, en esta película Rush ofrece una de sus interpretaciones más sutiles, siendo apreciable su constante evolución a lo largo de la trama.

 

   Todo transcurre de forma tranquila y metódica en la vida del solitario Sr. Oldman, hasta que recibe el encargo de tasar y sacar a subasta la totalidad de artículos que componen la abandonada Villa Ibbetson, propiedad de la Srta. Claire Ibbetson (interpretada por Sylvia Hoeks) ahora que sus padres han fallecido. 
La irrupción de esta misteriosa joven -que no se deja ver debido a que padece una extraña enfermedad psicológica-, transformará para siempre la vida de Virgil, que se dará cuenta de que hasta ese momento se ha perdido demasiadas cosas debido a su exacerbado apego hacia lo artístico.

   Dignas de mención son las apariciones (claves en la historia) de Jim Sturgess interpretando al joven Robert, amigo de Virgil, una especie de ingeniero capaz de reparar y montar cualquier objeto, y de la menuda actriz australiana Kiruna Stamell, interpretando a una inquietante clienta de un bar, capaz de memorizar absolutamente todos los datos acerca de todo lo que acontece a su alrededor.

  
    Más que la mano de Tornatore, he apreciado por momentos una atmósfera más propia de Alfred Hitchcock. La fotografía me pareció bastante buena, ya que la trama está rodada entre Italia (Trieste, Bolzano, Parma y Milan), Viena y Praga, ciudad en la que agoniza la película y en cuya parte final podremos deleitarnos con bellas imágenes de su centro histórico.

   La música corre a cargo del gran maestro Ennio Morricone, autor de bandas sonoras de películas tan reconocibles como "La misión", el ya mencionado "Cinema Paradiso" o dos de los Spaguetti Western más célebres de la historia del cine: "La muerte tenía un precio" y "El bueno, el feo y el malo", entre otros muchos títulos.

   En mi opinión, la película va perdiendo intensidad e interés de forma paulatina, pero por el final ofrecido ya merece la pena verla. Además, como ya dije al principio, en películas como ésta, tan distintas al cine comercial al que estamos (mal)acostumbrados, hay que saber apreciar los pequeños detalles que subyacen en la trama y gozarla a fuego lento. 

   Y nunca olvidéis el mensaje implícito (y también explícito) de esta peli: Que siempre hay algo auténtico detrás de toda falsificación.

MIDNIGHT IN PARIS: nostálgicamente bella

                                                     Título: "MIDNIGHT IN PARIS"

                                                     Comedia. Romance.

                                                     Año: 2004

                                                     Duración: 96´

                                                     Director: Woody Allen

                                                     Intérpretes principales: Owen Wilson

                                                                                             Marion Cotillard

                                                                                             Rachel McAdams
                                                                                             Michael Sheen

                                                                                             Carla Bruni

                                                                                             Adrien Brody

                                                     B.S.O.: Varios

   Siempre que veo una película de Woody Allen me fijo mucho en dos aspectos que cuida al milímetro: uno es el guión y el otro la fotografía. Y en este largometraje ambos son impresionantes.

    Comenzaré por el guión: la historia se desarrolla en París, ciudad de la que todos sabréis que estoy profundamente enamorado. Los que como yo hayáis tenido la suerte de haber ido, os recomiendo esta película al 100%, ya que podréis reconocer enclaves tan bellos como Versalles, el entorno de Notre Dame, la Place de Vendome, los paseos a la orilla del Sena... Vamos, una maravilla para los sentidos.

   A lo que iba, la trama tiene su desarrollo en la capital francesa, ciudad a la que Gil (Owen Wilson), un frustrado novelista norteamericano, llega con su prometida Inez (Rachel McAdams) y los padres de ésta, para tratar de encontrar la inspiración que tanto necesita y dedicarse a su verdadera vocación, escribir, dejando atrás su trabajo como guionista en Hollywood. Tanto Inez como su entorno se encargan de mensopreciar continuamente el sueño de Gil de ser escritor. 

    Pero una lluviosa noche, mientras pasea embriagado y solitario por las calles de Paris, un coche de época lo recoge para trasladarlo a los años 20 que tanto anhela. Allí se encontrará con personajes de la talla de Ernest Hemingway, los Fitzgerald, Pablo Picasso o Salvador Dalí (magistralmente interpretado por Adrien Brody, ganador del Oscar a mejor actor en 2002 -"El pianista"-), entre otros.

   También conocerá a la bella Adriana (interpretada por Marion Cotillard, Oscar a mejor actriz en 2007 -"La vida en rosa"-), una joven parisina de la que se enamora perdidamente. Ella, al igual que Gil, también sueña con tiempos pasados y con lo que podría haber vivido y sucedido de haber nacido en otra época. Esta es, en esencia, la pregunta que nos quiere transmitir el director: ¿todo tiempo pasado fue siempre mejor?. Lo que nos conduce a otro de los temas preferidos de Allen: la nostalgia.

   En resumidas cuentas, el guión es atrevido y original. No obstante, se llevó el Oscar al mejor guión original en 2011 y la cinta cuatro nominaciones en total, incluyemdo mejor película, director y dirección artística. Además también se llevó el Globo de Oro y el Critics Choice Awards a mejor guión. Los diálogos son muy buenos y, como en toda película del neoyorquino, los gags humorísticos son una delicia.

   En cuanto a la fotografía, como ya os adelanté, es increible. Nadie mejor que Woody Allen recrea tan bien las escenas. Los que hayáis estado en París anhelaréis volver y los que no, desearéis pasear por sus calles y que os envuelva su magia. 

   Y no querría terminar sin antes comentar el gran papel de los protagonistas. Owen Wilson, ejerciendo de alter ego de Woody Allen y Marion Cotillard, brillante, me parecieron muy naturales y cálidos en sus interpretaciones. Destacar también a Michael Sheen que en su papel de Paul consigue convertir la pedantería en arte. 

BLUE JASMINE: la última perla de Woody Allen

                                                            Título: "BLUE JASMINE"
                                                            Comedia dramática

                                                            Año: 2013

                                                            Duración: 98´

                                                            Director: Woody Allen

                                                            Intérpretes principales: Cate Blanchett

                                                                                                    Alec Baldwin
                                                                                                    Sally Hawkins

                                                                                                    Peter Sarsgaard

                                                            B.S.O.: Varios


   Una vez más acude Woody Allen a su cita cinematográfica anual y lo hace con una película muy interesante. He de reconocer que no me considero muy fan del genio de Brooklyn y que hasta la fecha apenas he seguido su filmografía, pero después de haberme cautivado con "Match point" (2005) necesitaba otra prueba más que me enganchase a su peculiar forma de concebir el cine.

   La historia nos muestra a una Cate Blanchett -Jasmine- sublime, con una profundidad psicológica que no había visto hasta ahora. Con este papel, la ganadora del Oscar a la mejor actriz de reparto en 2004, por su actuación en "El aviador", va lanzada hacia su segunda estatuilla (lo auguro desde ya, osado de mí).

   El trasfondo de la trama nos acerca dos mundos contrapuestos, mostrando la dificultad que supone asimilar la caída cuando has perdido lo que hasta ahora conocías por vida. Esas dos esferas tan distintas las podemos apreciar a través de los personajes de Jasmine (Cate Blanchett), acostumbrada a la vida de lujo en NYC que siempre le dio su marido Hal (Alec Balwin), y de su hermana Ginger (Sally Hawkins), una mujer de clase baja y separada, que trabaja como cajera en una tienda. Sin embargo, cuando la vida de Jasmine se desmorone se verá obligada a trasladarse a San Francisco, al humilde apartamento de su hermana y así tratar de rehacer su vida.

     Será entonces cuando comenzarán a aparecer en escena un sinfín de locuaces personajes quienes, con la ayuda de los antidepresivos y los combinados de Vodka, sacarán lo mejor de los dotes interpretativos de Blanchett. 

   La fotografía, como en todos los filmes de Allen, es muy salientable y el reparto excepcional: las interpretaciones de Alec Baldwin (en un papel que le viene como anillo al dedo), encarnando a Hal -marido de Jasmine-, Peter Sarsgaard - interpretando a Dwight-, pero por encima de todos la de Sally Hawkins, muy natural, dando vida a Ginger -hermana de Jasmine-, son dignas de disfrutar.

   A los que sois seguidores de Woody Allen no os tengo que convencer porque estoy seguro de que no os la vais a perder (aunque esté algo alejada del cine tradicional del genial director), pero a los que estéis indecisos deciros que si queréis pasar un rato agradable y ver una película donde drama y comedia conviven en total armonía, esta es vuestra película. Podréis disfrutar, a mi juicio, de una de las mejores obras de Woody Allen de los últimos años junto con "Midnight in Paris" (2011).

INTOCABLE: aprendiendo a vivir

                                                               Título: "INTOCABLE"
                                                               Comedia dramática

                                                               Año: 2011

                                                               Duración: 109´

                                                               Director: Olivier Nakache

                                                                               Eric Toledano

                                                               Intérpretes principales : François Cluzet

                                                                                                     Omar Sy

                                                                                                     Anne Le Ny

                                                                                                     Audrey Fleurot

                                                               B.S.O.: Ludovico Einaudi


   He de reconocer que esta película francesa ha sido la última con la que he salido satisfecho de un cine. Atravesamos una etapa en la que escasean los largometrajes de calidad e "Intocable" apareció ante mí como un vergel en el desierto.

   Esta película narra una historia real, la de un aristócrata (-Phillipe-, magistralmente interpretado por François Cluzet) que se ha quedado tetrapléjico tras sufrir un accidente mientras practicaba parapente y su cuidador -Driss- (Omar Sy), un joven reincidente que acaba de salir de prisión y que vive en un barrio marginal de París.

   Por delante de Phillipe discurren una retahíla de personas que bien podrían convertirse en su cuidador, ya que disponen de toda la preparación necesaria para realizar dicho cometido. Pero él escogerá a la persona que, aparentemente, menos capacitada está para ello. Sin embargo, pronto nos daremos cuenta del porqué de su elección: Driss es el único que no lo trata como a un discapacitado y sí como la persona que es, y a partir de ahí se va forjando una bella amistad que hace que Phillipe recupere las ganas de vivir.

  El mensaje que subyace en esta historia es claro: el de la verdadera amistad sin prejuicios, el de dos mundos completamente antagónicos que acaban resultando increiblemente cómplices.

  

   Antes ya me he referido a la gran actuación de François Cluzet, que realmente parece que haya estado toda su vida sobre una silla de ruedas. Su papel es totalmente convincente. Y para mí ha sido un total descubrimiento el actor Omar Sy, hasta ahora un completo desconocido aunque  habitual del cine francés. Por lo que he podido saber, el próximo año dará el salto a Hollywood con "X-Men: días del futuro pasado" (Jennifer Lawrence y Hugh Jackman -entre otros-) y "Good People" (junto a James Franco y Kate Hudson).

   Su personaje en "Intocable" destila frescura y espontaneidad por los cuatro costados. Impagable es el bailecito que se marca en un momento de la película, y sus continuos "gags" humorísticos que hacen la delicia del espectador. Su actuación no pasó desapercibida para la crítica y recibió el Premio César (2011) al mejor actor.  

   La película recibió (merecidamente) el Goya a la mejor película europea en el año 2012, el Satellite Award a la mejor película extranjera y los premios a mejor película y mejor actor (François Cluzet y Omar Sy) del Festival de Tokio

   Est filme es una alegoría a la vida y a las ganas de vivir. Una grata sorpresa que espero que os haga pasar, como mínimo, el buen rato que me hizo pasar a mí.

DESCUBRIENDO NUNCA JAMAS: el poder de la imaginación

                                          Título: "DESCUBRIENDO NUNCA JAMAS"
                                          Drama.

                                          Año: 2004

                                          Duración: 101´

                                          Director: Marc Forster

                                          Intérpretes principales: Johnny Depp

                                                                                  Kate Winslet

                                                                                  Dustin Hoffman

                                          B.S.O.: Jan Kaczmarek

   He de reconocer que esta película me llegó al corazón. Sin ser una película redonda ni destacar ninguno de los actores por la brillantez de su interpretación, el director consigue llegar al espectador de manera sublime. En ello tiene mucho que ver su Banda Sonora, magistralmente compuesta por Jan Kaczmarek, y a la que brevemente haré referencia hacia el final de la entrada. A mi juicio fue empleada con suma sutileza en cada momento clave de la historia.

   La trama se desarrolla en el Londres de comienzos del siglo XX y se centra en la figura de James Matthew Barrie (Johnny Depp), autor de "Peter Pan". Concretamente la historia nos cuenta cómo fue ese proceso de génesis de la obra de "Peter Pan" a través de su creador, y de cómo esta persona irrumpe en la vida de la familia Llewelyn Davies (compuesta por una mujer viuda, Sylvia, -Kate Winslet- y sus cuatro hijos huérfanos, Peter, Michael, Jack y George), para cambiar de forma total su forma de concebir la vida y dotarla de un sentido que hasta entonces desconocían. 

 

    Pero no será hasta que la familia Llewelyn Davies esté a punto de sufrir un nuevo revés, cuando descubramos qué se esconde tras "Nunca Jamás"; ese lugar al que James prometió llevar algún día a Sylvia y que nunca mereció conocer su mujer (interpretada por Radha Mitchell). Será entonces cuando la película alcance su momento cumbre.

    La historia ha sido muy bien llevada a la gran pantalla por un director que, a decir verdad, me parece de una versatilidad cuánto menos reseñable. Ha dirigido largometrajes tan reconocidos como Monster´s ball (2001), Quantum of Solace (2008) o la reciente y bien acogida por la crítica, Guerra Mundial Z (2013), interpretada por Brad Pitt. 

   El papel de Kate Winslet en esta película también me causó una grata impresión aunque, como ya dije al principio, ninguna de las interpretaciones de los protagonistas pasará a la historia, pero he de reconocer que con este papel empezó a ganarme lentamente. Ese mismo año confirmaría mi impresión con un muy buen papel en Olvídate de mí (2004) y su mejor momento llegaría cuatro años más tarde, en 2008, con Revolutionary Road  y, sobre todo, con The reader (2008), donde consiguió el Oscar (muy merecido, por cierto) a la mejor actriz .

   Esta película conseguiría el Oscar a la mejor banda sonora (2004), deliciosamente compuesta por el Maestro Jan Kaczmarek, así como 7 nominaciones incluyendo la de mejor película y mejor actor (Johnny Depp). Los que todavía no hayáis escuchado el tema principal de esta película os recomiendo que lo hagáis. Cerrad los ojos y dejad que vuestra imaginación os lleve a "Nunca Jamás".

    Lo hermoso de esta película es el mensaje que encierra el personaje de James Barry: lo que aparentemente parece es que ese mundo de fantasía que crea, es un modo de ignorar los problemas y no enfrentarse a ellos, cuando realmente lo que consigue con ello es que las personas que están a su alrededor se olviden de sus problemas y su sufrimiento.

   Para terminar me gustaría destacar una de las frases que mejor reflejan el alma de esta película: "Los niños nunca deberían ir a la cama. Cuando despiertan son un día mayores".

    Nunca lo olvidéis: sólo basta con creer. 

BIG FISH: la indiferencia de lo diferente

                                                                Título: "BIG FISH"
                                                                Drama. Fantástica.

                                                                Año: 2003

                                                                Duración: 126´

                                                                Director: Tim Burton

                                                                Intérpretes: Ewan McGregor
                                                                                     Albert Finney

                                                                                     Helena Bonham Carter

                                                                                     Jessica Lange

                                                                                     Danny DeVito

                                                                B.S.O.: Danny Elfman

   Los que me conocen un poco saben que no podría perdonarme empezar este blog sin analizar esta película. Debo reconocer que es una de mis favoritas y lo es por varios motivos:

   A nadie le extraña que soy un ferviente admirador del ingenio (muchas veces oscuro de más) de Tim Burton. Un hombre con un talento y una visión, a mi juicio, sobresalientes. Es un director que, al igual que ocurre con todos los genios, o lo adoras o lo aborreces. Algo similar sucede con Tarantino, sin ir más lejos. Y he de reconocer que desde Eduardo Manostijeras (1990) no quedaba tan maravillado con una de sus creaciones.

   Esta película supone una mezcla de fantasía y drama, con constantes notas de comedia que consiguen que el espectador se sumerja de lleno en el mundo de Burton, aunque no sea de los filmes donde más reconocible sea su sello.

   La historia narra las vivencias que un padre en sus últimas horas de vida cuenta a su hijo, que regresa al hogar para estar a su lado. La relación de ambos nunca fue sencilla debido a que siempre lo consideró un tanto lunático, por sus constantes alusiones a presuntas historias vividas, cargadas de irrealidad y fantasía.

  El tema central lo constituyen las relaciones personales entre un padre (Edward Bloom) y su hijo (Will). El personaje de Edward Bloom es magníficamente interpretado por Ewan McGregor (cuando Bloom era joven) y por Albert Finney (en su madurez), y constituye el epicentro de la historia. Con este personaje nos sumergiremos en un mundo de fantasía, a través de los relatos que cuenta sobre su vida. Relatos que siempre ha detestado su hijo Will y que fueron la causa de su distanciamiento, ya que siempre consideró que su padre buscaba en lo fantástico una forma de evadir sus responsabilidades.

   Sin embargo, con el transcurrir de la película, Will se dará cuenta de que las extravagantes historias que siempre ha contado su padre no eran mentira, sino más bien una exageración de la realidad, dando lugar a un final que a mi juicio es uno los mejores de la historia del cine (opinión muy personal).

 
   
   Como muy dijo el propio Tim Burton: «Big Fish es acerca de lo que es real y lo fantástico, lo que es verdad y lo que no es verdad, lo que es parcialmente cierto, y cómo, al final, todo es verdad».

   No me gustaría terminar sin olvidar la maravillosa Banda Sonora de la película, compuesta por el gran Danny Elfman. Contrastado compositor que ya fue el creador de reconocidas películas como Batman (1989), El Planeta de los simios (2001) o Alicia en el Páis de las Maravillas (2010), entre otras.  

   En mi opinión es la mejor película de Tim Burton hasta la fecha (y ya ha hecho unas pocas). Los que todavía no la hayáis visto, ya estáis tardando en hacerlo. Estoy seguro de que no os dejará indiferentes.